este es un cuento de una persona a quien admiro

Esta vez quiero poner las narraciones de una escritora en particular que llama mucho mi atencion es una mujer que realmente no conozco... sin embargo se que su nombre es Angela, tiene 67 años de edad y vive en barcelona españa... es un escritora joven de corazon que no distingue entre experiencia y junventud... sin mas le dejo

Hacedores de Paisajes

Era viernes, uno de mayo. Teníamos por delante un fin de semana largo y lo pensábamos pasar en el pueblo.

Salimos de Barcelona por la AII, autovía que pasa por El Bruc y La Panadella. En la radio escuchamos un aviso de tráfico: había una cola kilométrica cerca de La Panadella. Así que decidimos dejar la autovía a la altura de Igualada y desviarnos a la izquierda siguiendo carreteras secundarias.

Estábamos atravesando la comarca de l'Anoia.
El día era radiante y los campos hermosos.
Pudimos contemplar su belleza por la ventanilla del coche.

-Hace mucho que no visitamos la ermita de La Roqueta. ¿Quieres que vayamos?

Y nos metimos por una pista de montaña que llevaba a la ermita.

En esta zona apenas hay turistas. Todo es muy solitario. Dejamos el coche a la sombra, debajo de unos árboles. Todavía quedaban charcos de las últimas lluvias.

Es una ermita sencilla, del románico tardío, siglo XII, dedicada a la Virgen del Rosario.

Tras dar la vuelta a la ermita, penetramos en su interior. Está bastante deteriorado. Hay señales evidentes de que se ha hecho fuego dentro.

Se conserva una bóveda ogival gótica y un arco triunfal apoyado en dos columnas en cada lado.

Esta es la vista desde la ermita. Observamos la pista por la que hemos venido. Detrás de un altozano, asoma una casita de payés. Es Cal Maginet, restaurante y casa rural.

Nos ponemos en marcha otra vez y ahora recorremos una carretera vecinal que bordea los campos de colza. Al fondo, en la cima del monte, se alza el castillo de Queralt.

Me pongo a pensar en los payeses, campesinos y labradores. Valoro inmensamente su labor. Ellos son los artífices de este paisaje rural. Son los jardineros de la tierra.

inspirado en uno de los mejores directores cinematograficos que existen en el mundo, vengo a presentar el blog de Francis Ford Coppola... ya que su trabajo me ha inspirado para convertirme en un director... por que el mustra que el talento es lo unico que importa... el hecho de mostrar lo que se quiere... es como un telon abierto... se muentra algo que quiere mostrar, no mas no menos

para estudiar Artes Dramáticas, y años más tarde se tituló en Artes Teatrales en la Francis Ford Coppola (nacido el 7 de abril de 1939 en Detroit, Míchigan) es un guionista, productor y director de cine estadounidense cinco veces ganador del premio Óscar. Hijo del director de orquesta Carmine Coppola y la actriz Italia Coppola, ingresó a la Universidad HofstraUCLA. Su carrera inició en 1963 con la dirección de Dementia 13, de la cual también realizó el guión. Desde eso ha dirigido más de una veintena de películas, algunas de ellas aclamadas por la crítica cinematográfica, entre las que destacan producciones como La conversación (1974), la bélica Apocalypse Now (1979) o la adaptación al cine de la novela de Bram Stoker Drácula (1992). Sin embargo sus obras más reconocidas y ovacionadas son El Padrino y El Padrino II, ambas adaptaciones del Best-seller homónimo del novelista italoamericano Mario Puzo, la primera es una de los filmes más reconocidos y elogiados de todos los tiempos, que le hizo acreedor a dos nuevos premios de la Academia por Mejor película y Mejor guión adaptado (que compartió con Puzo por co-escribirlo), mientras que la segunda es la secuela más apreciada en la cinematografía estadounidense (la única secuela en ganar un Óscar), con la que recibió un premio de la Academia por Mejor director. Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX y uno de los más grandes de todos los tiempos, siendo El Padrino recurrentemente elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y Apocalypse Now una de las más grandes películas de culto en el sistema de producción de Hollywood.

Desde sus inicios Coppola desarrolló de igual forma su carrera como productor, destacando los dos primeros filmes de su amigo George Lucas ,THX-1138 y American Graffiti, y otras como Kagemusha, Kinsey o Sleepy Hollow.

Nació en Detroit, Míchigan. Hijo de Carmine Coppola (director de orquesta y flautista), y de Italia Coppola, (actriz que trabajó en su juventud en Italia). Es hermano de Talia Shire Coppola, padre de Sofia Coppola y tío de Nicolas Cage. A los nueve años cayó gravemente enfermo a causa de la poliomielitis, que le tuvo postrado en la cama cerca de un año en estado casi paralítico. Durante ese tiempo su única distracción fueron las marionetas y las películas familiares en "Súper 8".[1] [2] En 1957, decidido a convertirse en artista, ingresó a la Universidad Hofstra con 18 años de edad y se inscribió en la carrera de en Artes Dramáticas, donde llamó la atención por un montaje que realizó de Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire, de Tennesse Williams). Allí conoció a varios actores y futuros colaboradores, entre ellos Jules Dono, doctor por la Universidad de Saint James con el que entabló una relación duradera. En 1960 obtuvo el título de Artes Teatrales y ese mismo año se graduó en la UCLA, cuyo plan de estudios no le agradó, pero le facilitó sus primeros contactos en la industria en la que pensó hacer fortuna y gloria

(convirtiéndose en la primera secuela que se alzaba con el Óscar a la mejor película) y en mayo la Palma de oro por funda su propia compañía productora, por el filme Coppola les demostró, con la secuencia de la ejecución del gánster Sollozo y de su guardaespaldas el capitán McCluskey, a cargo de fue uno de los mayores éxitos económicos de Coppola, con cuyos beneficios se compró el castillo de Años 1960 [editar] A principios de la década de los sesenta empezó a hacer películas, aunque lo primero que hizo son nudies (películas eróticas) de bajo presupuesto, pero esto no le importó. En este período completó los filmes Tonight for Sure y The Bellboy and the Playgirls, mediometrajes con desnudos y en los que demostró escaso interés. En 1962 conoció a Roger Corman, quien vio en Coppola a un joven talentoso con potencial para ser instruido en el medio cinematográfico, y seguidamente establecieron una relación profesional en la cual él se convirtió prácticamente en su asistente personal.[4] Dementia 13 [editar] Artículo principal: Dementia 13 Su primera película acreditada fue Dementia 13, un largometraje de terror de bajo presupuesto hecho para Corman en 1963 y rodado en el transcurso de nueve días en Irlanda. Pero ese mismo año ya había participado en la realización, sin aparecer en los créditos, de otro filme para el mismo director y productor, denominado The Terror. Se sabe que Coppola montaba y colaboraba en muchos filmes de su mentor Corman mientras estudiaba en la universidad. No obstante, a Corman no le agradó el resultado final de la película y contrató a otro equipo dirigido por Jack Hill para que finalizase el rodaje, rompiendo definitivamente su relación con Coppola.[5] [6] [7]You're a Big Boy Now [editar] No fue hasta 1966 cuando Coppola dirigiría su primer título destacable, You're a Big Boy Now, entre otras cosas porque por primera vez incluía en él temas e inquietudes que le eran propios, tales como la búsqueda de independencia vital y el retrato de la juventud como uno de los tesoros malgastados de la sociedad. Filmado como su proyecto de fin de carrera, obtuvo por él matrícula de honor. Parcialmente autobiográfico, de irrisorio presupuesto, hoy en día es un filme muy desconocido y pendiente de revisión por el gran público.[8] [9] El valle del arco iris [editar] A Coppola le ofrecieron dirigir un filme basado en la obra musical de Broadway El valle del arco iris, protagonizada por Petula Clark (en su primer filme americano) y el veterano Fred Astaire, y producida por Jack Warner, quien quedó desconcertado al ver el aspecto hippie de Coppola en aquella época. Adecuando material obsoleto a una época donde los musicales no eran populares, Coppola logró hacer un filme meritorio y su trabajo con Petula Clark contribuyó a que la actriz fuera elegida por primera vez como candidata para el Globo de Oro como mejor actriz. Hoy día es una película olvidada, incluso por su autor, y en su momento fue acogida con indiferencia.[10] [11] The Rain People [editar] Después de este encargo, Coppola decidió regresar con otro filme personal en el que poder demostrar que además de ser un buen director de estudio, con la capacidad de aceptar proyectos ajenos, era al mismo tiempo un autor con muchas cosas que contar y un estilo propio. Producto de ello es uno de sus filmes más personales, aunque también más desconocidos por el gran público: el drama The Rain People, que en 1969 le haría ganar la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. En 1969American Zoetrope, de la que era presidente ejecutivo y George Lucas vicepresidente.[12] Cerraba así una prometedora primera década. Años 1970[editar] En 1971, Coppola ganó un Óscar al mejor guión original junto con Edmund H. NorthonPatton. Su participación en éste prestigioso y exitoso título era sólo el preludio de su década dorada, en la que se convertiría, progresivamente, en el director más influyente del mundo, el más exitoso, en un productor poderoso y de gran ambición, y en director maldito y un maníaco de grandes proporciones.[13] El Padrino [editar] Artículo principal: El Padrino Artículo principal: El Padrino II Durante 1971 y 1972 se vio embarcado en el proyecto que le cambiaría la vida. Reacio en un principio a encargarse de la adaptación del best-seller homónimo publicado hacía pocas fechas por el escritor Mario Puzo, Coppola vería cómo su vida cambiaba una vez que el infernal rodaje, de tan sólo 52 días, terminaba y veía a su película convertirse en la más taquillera de todos los tiempos y en ganadora de tres premios Óscar importantísimos, y a sí mismo en un creador capaz de llevar a cabo los más ambiciosos proyectos imaginables.[14] [15]Con el estudio disconforme con el reparto (especialmente por la presencia en él de la estrella Marlon Brando y del debutante Al Pacino) Coppola tuvo que pelear enconadamente con los ejecutivos de la Paramount para que le respetasen sus decisiones y para no ser sustituido a la semana de rodaje por un director más violento, pues creían que él no sería capaz de dotar al filme de la intensidad con la que esperaban atraer a millones de espectadores a las salas.[16]Michael Corleone, que tanto Pacino como él mismo eran los idóneos para protagonizar y dirigir la película respectivamente. Asimismo, Marlon Brando, en su colosal creación del Don, demostraba, una vez más, su grandioso talento para la caracterización extrema, que a partir de ese momento fue el paradigma del mafioso, que muchos de ellos intentarían imitar en su vida profesional. Coppola, que coescribió la adaptación mano a mano con Puzo, en un principio se tomó el proyecto como un encargo profesional, pero poco a poco fue impregnando la historia con su propia experiencia ítalo-americana, dotando a la historia de una verosimilitud y una credibilidad pocas veces vista en esta clase de relatos negros. La soberbia fotografía del purista Gordon Willis y el diseño de producción del habitual en Coppola, a partir de entonces, Dean Tavoularis, terminaron por darle al primer filme de El Padrino ese aura de clasicismo inolvidable que durante más de treinta años sigue enamorando a los cinéfilos. Pero la ambición y el talento de Coppola no conocían límites en aquel entonces y, decidido a convertirse en el más grande, estrenó dos obras maestras en 1974. Dos años después de El Padrino y convertido en multimillonario, filmaría La conversación y la segunda parte de la historia de Michael Corleone en El Padrino, parte II. En la plenitud de su éxito y de su confianza en sí mismo, en marzo cosecharía seis premios de la academia de Hollywood por El Padrino, parte IILa conversación.[17] [18] Esta cinta, protagonizada por Gene Hackman en uno de sus más aclamados trabajos, era un soberbio estudio del sonido dirigido por el ya citado Jules Dono por el que ganaría el Óscar al mejor montaje de sonido (no en vano Hackman encarna a un profesional de las escuchas telefónicas), para un relato sombrío y lento, de gran densidad psicológica, basada en los silencios y en la reflexión más que en una dinámica más habitual en el género de la intriga. Considerada por muchos una de las obras magnas de su realizador, La conversación ha envejecido tan bien como los dos primeros padrinos. Por su parte, El Padrino, parte II, con un presupuesto que doblaba el de su predecesora, lograba la gran hazaña de superar a un título mítico. Adentrándose en la tragedia (de raíz shakesperiana y homérica) de Michael Corleone, con la presencia, una vez más, de John Cazale, Robert Duvall, Talia Shire, Diane Keaton, y las incorporaciones de otros gigantes de su oficio como Lee Strasberg, Robert de Niro o Michael V. Gazzo; El Padrino, parte II se estructuraba en dos líneas temporales que se trenzaban de manera primorosa. Por una parte, nos narra cómo Vito Corleone huyó de Sicilia a Norteamérica y se convirtió en un rey de la mafia de Nueva York. Por otro, nos retrata la lucha de Michael Corleone por proteger a su familia de los poderosos adversarios que acosan a los Corleone. Coppola consiguió sus tercer, cuarto y quinto Óscar aquel año por aquella obra maestra. Endiosado, encumbrado y rico, Coppola aún tuvo tiempo para escribir la adaptación de 1974 de El gran Gatsby y para producirle a su amigo George Lucas su segunda película, el gran éxito y mito generacional American Graffiti. Pero Coppola aún no había superado a su gurú, Orson Welles, y estaba dispuesto a intentarlo con la adaptación de Heart of Darkness. Heart of Darkness (Apocalypse Now) [editar] Artículo principal: Apocalypse Now La primera película del joven Orson Welles tenía que haber sido la adaptación de la famosa novela de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas, pero ese proyecto fue abandonado por su elevado costo. Casi cuarenta años después, no existía mayor aliciente para Coppola (como luego lo fue el proyecto de Drácula) que realizar el proyecto que su gran mito en el cine no había podido hacer. Inicialmente, Coppola quería ofrecer la película, que él había coescrito con John Milius, a su gran amigo George Lucas. Dándose cuenta de que él mismo era el único con la ambición para llevarla a buen puerto, comenzó el rodaje el 1 de marzo de 1976, sin saber que hasta el 21 de mayo de 1977 no daría el último «corten» y hasta 1979 no la estrenaría, con el título Apocalypse Now. La cinta únicamente toma como referencia del relato original a sus dos principales personajes, a un ambiente de salvajismo primigenio y al viaje psicológico y espiritual que Willard emprende en post de Kurtz. Pero, una vez más, Coppola demostró su talento para extraer de un texto materiales insospechados cuando dotó a su filme de una épica militarista y densamente onírica. Pero casi desde el principio la desgracia se alió con el rodaje, y las tragedias y los desastres se sumaron uno tras otro. El protagonista Martin Sheen sufrió un infarto que a punto estuvo de acabar con su vida, aunque pudo regresar en sorprendente buena forma al rodaje. Un huracán destruyó gran parte de los decorados. Marlon Brando mortificó a Coppola con exigencias excesivas de dinero y planes de rodaje a su gusto. El presupuesto del filme se disparó rápidamente. Incluso uno de sus colaboradores, Jules Dono, se vio obligado a vender sus importantes empresas textiles para sufragar parte de los gastos de la película. El gobierno de Filipinas se llevaba los helicópteros que Coppola utilizaba para las escenas de batalla sin previo aviso, pues estaban en guerra. Pero Coppola supo mantenerse a flote y, en la cuerda floja, utilizó la pesadillesca experiencia para aportar al rodaje un tono y una tensión nunca antes experimentados en una sala de cine. Con un tratamiento del sonido, obra de Walter Murch, y una fotografía, obra de Vittorio Storaro, en verdad memorables, Coppola firmaba una de las obras de arte más importantes de las postrimerías del siglo XX. Endeudado y casi enloquecido por el rodaje, pudo recuperar lo invertido gracias a la fama y la taquilla que inmediatamente acompañaron a su estreno. No en vano, en el Festival de Cannes, aún sin terminar el montaje, fue presentada y ganó la Palma de oro. Es célebre la rueda de prensa en la que Coppola dijo la famosa frase: «Mi película no trata sobre Vietnam. Mi película es Vietnam». Muchos años después de aquella película, en 1991, vería la luz el excelente documental en torno a la rodaje y a la locura de aquella mítica película, Heart of Darkness, en la que los "supervivientes", especialmente Eleanor Coppola, hablan de sus experiencias en la jungla filipina. Años 1980 [editar] Después de una década febril y esplendorosa, Coppola vería como sus sueños, uno a uno, especialmente el de mantener un estudio en San Francisco (los Zoetrope), ajeno a la industria de Hollywood, le llevaba a la bancarrota, con los bancos reclamándole miles de millones de dólares y la entrega de su casa y su patrimonio, y con la obligación de regresar a la realización de proyectos de encargo, después de acariciar la posibilidad de no tener que volver a hacerlo. One from the Heart [editar] Artículo principal: One from the Heart En 1982 y convencido de que nada podía pararle, dirige el musical, creado a la vieja usanza, One from the Heart, que con un coste superior a los veinte millones de dólares, y una taquilla cercana a la décima parte de esa cifra, supondría su gran desastre como productor y dueño de unos estudios que de la noche a la mañana se verían desmantelados. Obra de gran mérito pero lastrada por encajarse en una época en la que a nadie le interesaban obras de esa índole, One from the Heart supone el "Titanic" personal de Coppola y la razón de su periplo vital por los años ochenta. Hammett [editar] En 1982 tiene que terminar el filme que le había encargado a Wim Wenders, Hammett, porque él sólo había terminado el 30% de la película.[19] Wenders realizó un cortometraje titulado Reverse Angle, en el que documentó sus disputas con Coppola durante el rodaje de Hammett. The Outsiders y Rumble Fish [editar]Artículo principal: The Outsiders (película) Artículo principal: Rumble Fish Coppola realiza al año siguiente dos filmes y al siguiente, 1984, otro más, una superproducción de encargo. Los dos primeros, The Outsiders y Rumble Fish, se hallan entre sus obras más personales, arriesgadas y mejores. Ambos significan el descubrimiento de una cantera de actores, (Tom Cruise, Matt Dillon, Patrick Swayze, Rob Lowe, Emilio Estévez, Diane Lane, su sobrino Nicolas Cage, Chris Penn) que triunfará en el cine norteamericano de las siguientes décadas y ambas son relatos de jóvenes rebeldes que viven la vida a su manera, con ideas románticas y desesperadas. De especial relevancia es la segunda de ellas, inspirada en Sed de mal en su tratamiento del blanco y negro y con el tema recurrente del paso del tiempo (esencial en la obra del cineasta). Cotton Club[editar] Pero el fracaso de ambas películas lo obliga a aceptar el encargo de dirigir la ambiciosa The Cotton Club cuando ésta llevaba una semana de rodaje, convencido por el productor de El Padrino, Robert Evans. Protagonizada por la estrella Richard Gere, Coppola logró colocar a su musa, la jovencísima Diane Lane, como compañera del protagonista. Coppola dirigió esta mezcla de musical y película de gánsters con destreza y buen gusto, y la crítica alabó el esfuerzo aunque parte de ella la recibió con tibieza y el público le dio la espalda. Su gran costo, superior incluso al de One from the Heart, y sus escasos resultados en la taquilla, terminaron por otorgar a Coppola una fama de derrochador y de director maldito. Su carrera parecía así herida de muerte. Peggy Sue Got Married [editar] Artículo principal: Peggy Sue Got Married En 1986 accedió a realizar un encargo más pequeño aunque muy personal, la exitosa Peggy Sue Got Married, en la que reincidía en su estudio, aquí atemperado, del paso del tiempo y en una visión romántica e ingenua de la narración audiovisual. Ese año, sin embargo, le golpeaba cruelmente la muerte de su primogénito Gio Coppola, en un accidente de moto acuática, mientras rodaba su filme Jardines de piedra. Al año siguiente filmo un episodio televisivo, «Rip Van Winckle», parte de la serie llamada "Faerie Tale Theatre". Tucker [editar] Artículo principal: Tucker: The Man and his Dream Intentando sobreponerse al desastre de su vida familiar y profesional, seguiría trabajando, aún con muchas dificultades. Lucas, devolviéndole el favor de American Graffiti y ahora que él era rico y su amigo Coppola era un hombre arruinado, accedió a producirle la muy personal, emotiva y brillante Tucker, protagonizada por Jeff Bridges y que se convirtió en una de las películas más emblemáticas de su autor, quien a través de un visionario del mundo del automóvil conseguía contar su propia historia de éxitos y fracasos. Esta fue la primera película en varios años en la que Coppola firmaba como Francis Ford, y no como Francis Coppola a secas, segun algunos, dando a entender que en los filmes en los que firmaba de ésta segunda forma, que no eran más que meros filmes de encargo. Tucker representa un explícito alter-ego del propio F. F. Coppola, tal como lo es Michael Corleone y, de un modo más perturbador, el Willard de Apocalypse Now. El visionario diseñador y constructor de coches revolucionarios viene a contar la propia historia de Coppola, pues ambos se enfrentan a las grandes compañías para intentar construir sus propios sueños. Life without Zoe [editar] Artículo principal: Life without Zoe Al año siguiente, y dando por finalizada su terrible década, participó en el filme coral, junto con sus amigos Woody Allen y Martin Scorsese, New York Stories, para el que dirigió el segmento "Life without Zoe", que la crítica no dudó en calificar como el peor de los tres. Años 1990 [editar] El Padrino III [editar] Artículo principal: El Padrino III Decidido a salir de una vez por todas de su monstruosa crisis económica, Coppola accedió finalmente a realizar un filme más sobre la familia Corleone a cambio de un sueldo astronómico y de una tasa fija de intereses. Así, en 1990 se estrenó la conclusión de su colosal trilogía sobre Michael Corleone, con El padrino, parte III. Alejada de la épica y la energía de sus predecesoras, ésta "coda", cómo el mismo gusta llamarla, es un relato crepuscular que no fue del agrado de muchos que esperaban una nueva aventura grandiosa de un todopoderoso Michael venciendo una vez más a sus enemigos. De hecho, la cinta cosechó numerosas críticas negativas, pese a un notable éxito de público que le permitió a Coppola cuadrar sus cuentas bancarias. En ésta ocasión, Michael es un anciano incapaz de sostener una lucha titánica y siniestra con el Vaticano, y ha de claudicar en favor del hijo bastardo de su hermano Sonny, Vincent (interpretado por Andy García, que resultó nominado al Óscar), para garantizar la supervivencia de su familia. Coppola utilizó esta película, además, para exorcizar demonios personales, y no ha intentado ocultarlo. En un principio el papel de la hija de Michael iba a estar interpretado por la actriz Winona Ryder, quien abandonó a las pocas semanas el rodaje sin dar explicaciones, lo que obligó a Coppola a conceder el importante personaje de Mary a su propia hija, la entonces debutante Sofia Coppola, quien recibió un auténtico varapalo de los críticos por ésta interpretación. Pero su padre la defiende, y la puso ahí pues con ella en pantalla pudo exorcizar (dado que Michael Corleone es un alter-ego suyo) la muerte de su hijo Gio y superar por fin también la tragedia. De esta forma, esta arriesgada y poco valorada película significó una superación vital para Coppola en muchos sentidos. La película obtuvo siete nominaciones y ni un solo premio, en favor de otra película considerada inferior por la crítica, Bailando con lobos de Kevin Costner. Esto certificó que, si bien Hollywood estaba dispuesto a admitir que el talento de Coppola no se había evaporado, no estaba dispuesto a hacerle regresar por la puerta grande ni a devolverle los privilegios de los que gozó en los años 70. Drácula[editar] Artículo principal: Drácula Enseguida comenzó los trabajos para una adaptación de Drácula que él no escribió. Es sabido que Orson Welles siempre quiso adaptarla y por eso, entre otras razones, Coppola se esforzó tanto en ella. Con un reparto destacado (Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves) y una gran producción (aunque no demasiado grande para Hollywood), Coppola emprendió una aventura en la que intentó recuperar el aroma del cine primigenio hecho con maquetas, sombras y efectos rudimentarios. Aprovechó así la cercanía del centenario del cine y la casi coincidencia de la publicación de la novela y la invención del cine, para homenajear (véase la secuencia del cinematógrafo) con un tratamiento cercano, salvando las distancias, a lo que hubieran hecho con ese material los maestros del cine mudo y primeros años del sonoro. Siendo la más fiel de las adaptaciones de la famosa novela, es también un ejemplo de infidelidad literaria por la relación amorosa entre el conde y Mina, no presente en la novela, pero que en ningún momento deslegitima la adaptación, sino que la enriquece con un nuevo punto de vista que da fuerza a la decisión del conde, no explicada en la novela, de viajar a Inglaterra, que perfectamente podría haber estado incluida en el relato original. Algunos personajes, como Lucy Westenra, que a menudo en las adaptaciones cinematográficas era fusionado con el de Mina, eran aquí tratados con especial detalle. Otros que casi nunca han aparecido en las películas sobre el conde, como el doctor Seward, el tejano Quincy Morris o el aristócrata Arthur Holmwood, eran así mismo dotados de una presencia mucho mayor y más interesante. A pesar de la citada controversia sobre la fidelidad/infidelidad al libro y sobre el tratamiento visual de la obra, tan alejada de todo lo conocido anteriormente, y en especial alejada de la típica imagen del vampiro creada por Béla Lugosi o Christopher Lee, Bram Stoker's DraculaInglenook y un extenso territorio dedicado a los viñedos, y logró tres Óscares: vestuario, maquillaje y efectos sonoros.[20] [21] Jack [editar] Artículo principal: Jack Recuperado por fin de su crisis económica y vital, volvió a aceptar extrañamente un trabajo de encargo con la personal pero ciertamente «menor», Jack, protagonizada por Robin Williams y que narra la vida de un niño que envejece cuatro veces más rápido de lo normal (reincidiendo en el viejo tema del tiempo). Coppola acusó a su colaborador Jules Dono por el resultado del filme, lo que provocó que rompiesen su relación personal y profesional. The Rainmaker [editar] Al año siguiente y firmando el guión por primera vez en siete años, filmó uno de sus filmes más emotivos con la adaptación de John Grisham The Rainmaker (conocido en castellano como Legitima defensa, o El poder de la Justicia,[22] ) protagonizada por Matt Damon, Claire Danes, Danny DeVito, Danny Glover y Jon Voight. Un drama judicial sobrio y emotivo con el que Coppola cierra los noventa.


En resumen Francis Ford Coppola en un director que viene de sde abajo y nos da esperanzas a los que queremos ser como el... y hacer un exito tan grande y que marca fronteras tal como el padrino demostrando que las 2 y hasta las terceras partes son excelentes

es por eso que admiro a francis ford coppola

"te hare una offerta que no podras rechazar...."

"bussines are bussines"

Pequeño Rincón Poeta

Bien queridos lectores, les dejo una lectura que hizo mi novia... es una entreda original y a decir verdad me agrada bastante, ademas de que me gustaria apoyarla para sacar su propio libro... esto se llama amor, el formato oriinal se puede encontrar en http://www.myspace.com/sweetblackbutterfly, espero que lo disfruten y entiendan el concepto focal logrando esquivar las metaforas que pueden llegar a ser un tanto confusas pero bien, directas:


"si me mientes sabré que me amas... pero si me amas sabre que mientes"

vagos recuerdos de la cena de anoche, me tomaste tal como se toma una copa de vino, me bebiste sorbo a sorbo y sin detenerte, me hiciste tuya, y me hiciste explotar, me tomaste entre tus brazos y me hiciste tuya, tomaste de mis brazos tu vuelo al ahogarte en el frio aire que nos rodaba, la poca luz que apenas destacaba tus rasgos denotaron el dolor de tu corazon, mi alma partida en dos... unidas por remanzo de pasion, tomando en cuenta el tiempo el fuego que me consumio en pasion, se que fue como un fantasma inmerso en la agonia que el mismo placer le provocaba, me tomo de la mano, al unisono tomo mi cadera... me dijo tantas veces que me amaba, me dijo pocas cosas y tantas a la vez, tomamos un descanzo... mi alma llena de agonia gritaba de arrepentimiento y sin saberlo la música sonaba de nuevo... la caja musical, las misma notas, la misma canción el mismo sentimiento, la culpa descartada, la vanidad inexistente entre nosotros, fue como magia, como el mismo viento haciendome el amor, como la misma obscuridad consumiendo nuestros cuerpos mortales, dejando dos almas libres incineradas en un fuego de pasion inagotable, el sudor de tu frente, los rasguños en tu cuerpo, las mordidas en mi cuello, mi espirítu completo mi todo, de nuevo, todo junto.

salimos, me tomaste de la mano, no miraste lo pasado, no miraste las cuchillas en el tiempo, solo viste como cicatrizaba en presente, como el futuro de las palabras sin decir serian salvacion de nuestro amor, la gente sin boca nos miraba, la gente que no podia tocarse miraba nustra union de manos, me tomaste y me besaste como si nada importara, solo nosotros en la bella eternidad del amor que nos profesamos en silencio; me llamaste princesa, te llame amor... me mataste de nuevo... de nuevo al borde de la misma luz blanca que ha sido mi paz... de nuevo enterraste tu navaja en mi, mi sangre derramada en tu mano, de nuevo el humo saliendo de mi boca, de nuevo tu tomando mi herida bebiendo de su sangre haciendonos una sola alma, una sola sangre un solo grito, amor vuelveme a matar, matame con tu celo, con tu protección adecuada, con tu vida y con la mía, matame, matame de nuevo, pero matame con tu pasión.

salvación inmersa en la misma paz que nustros cuerpos nos inspiran, te amo, tu me amas, el viento esta a nuestro favor, sonríe, de nuevo muere a carcajadas de nuestras mismas diferencias....

muerta entre tus brazos, ahogada en tu copa de vino... vino tinto para dos, sangre obscura... dos medidas de lo mismo...


bueno es una buena lectura, o al menos a mi me lo parecio, por que hubon un contraste de emociones mezcladas con los sentimientos contrarios al concepto del amor mismo... pero sin embargo es un excrito bastante convincente acerca de un amor, lo cual me lleva a pensar que todo sentimiento es bello, depende del lado en que se mire

Metallica

Inspirado en una de mis bandas favoritas me dedico a hacer la siguiente publicacion acerca de una de las bandas que para mi, asi como para muchos otros es una gran influencia, y que mejor que escribir un articulo dedicado para ellos, para sus poderosisisimas letras, su furia instrumental, bueno sin mas preámbulo me dedicare a compartir algunas cosas que encontre acerca de ellos

Llendonos a terminos Generales:

Metallica es una banda de heavy metal originaria de Estados Unidos. Fue fundada en 1981 en Los Ángeles por el danés Lars Ulrich y James Hetfield, a los que se les unirían Lloyd Grant y Ron McGovney. Estos dos músicos fueron después sustituidos por el guitarrista Dave Mustaine y el bajista Cliff Burton, respectivamente. Mustaine fue despedido un año después de ingresar en la banda debido a su excesiva adicción a las drogas y al alcohol, y fundó la banda Megadeth, siendo sustituido en Metallica por Kirk Hammett.
Por otra parte, en 1986, la muerte de Cliff Burton en un accidente de autobús en Suecia provocó la entrada al grupo de Jason Newsted, que, quince años más tarde, sería sustituido tras su deserción por el bajista actual de la banda, Robert Trujillo. Hasta la fecha, la banda ha editado nueve discos de estudio.
Las ventas totales de Metallica superan los 100 millones, y son considerados uno de los cuatro grandes del thrash metal junto con Anthrax, Slayer y Megadeth. Además, el grupo ha conseguido numerosos premios musicales, entre los que destacan nueve Grammys, dos premios otorgados por la cadena musical MTV, dos galardones de la Academia de Música Americana y un premio de la revista Billboard, y posee una estrella en el paseo de la fama de la revista Kerrang!.

Discografia

Formación definitiva de la banda

Con la edición de Metal Massacre en el mes de junio de, el grupo, tras renegar de la versión de «Hit the Lights» aparecida en el mismo por encontrarse completamente desfasada de lo que constituía su nuevo sonido, decidió grabar su primera demo, titulada No Life 'til Leather probablemente en una alusión al álbum de Motörhead No Sleep 'til Hammersmith. Siete temas formarían parte de esta demo, entre los que se encuentra una versión mucho más potente y acelerada de «Hit the Lights». Con una agenda de conciertos cada vez más ajustada, Hetfield y Ulrich comenzaron a plantearse la sustitución de McGovney. Años después, éste dijo en una entrevista que el resto de la banda le dejaba que se encargara de todo. Es en ese momento cuando empiezan a aparecer los problemas con Dave Mustaine, derivados de un carácter extremadamente violento unido al consumo extremo de alcohol y drogas.Conocedor de la necesidad de Metallica de reclutar un nuevo bajista, Brian Slagel recomienda a Lars y James la banda Trauma, que acababa de editar uno de sus temas en la segunda entrega de Metal Massacre. Hetfield y Ulrich quedarían totalmente impresionados con la destreza y presencia en el escenario de su bajista, Cliff Burton, ofreciéndole inmediatamente el entrar a formar parte de Metallica, lo cual sería inicialmente rechazado por Burton.
Aún con McGovney en sus filas, la banda grabaría el 29 de noviembre del mismo año (1982) una demo en directo en el The Waldorf de San Francisco, que recibiría el nombre de Live Metal Up Your Ass y en la que estrenarían el tema «Whiplash», inédito hasta entonces. El concierto tendría como teloneros a Exodus, cuyo guitarrista líder, un joven Kirk Hammett, causaría una gran impresión en James y Lars, que ante los crecientes problemas con Mustaine comenzaron a considerarlo como un reemplazo perfecto. Poco tiempo después McGovney decidió dejar Metallica al oír que habían estado estableciendo contactos con Cliff Burton, , para incorporarse a Phantasm, al contrario de la creencia popular de que fue despedido. Posteriormente declaró: «Nunca escuché 'Estás despedido' o algo así de parte de ellos. Yo renuncié, aunque es obvio que, aunque no hubiera renunciado, me iban a despedir de todas maneras». Al mismo tiempo, Cliff Burton, quien estaba teniendo problemas con Trauma debido a la dirección que el resto de los integrantes querían tomar con respecto a su música, decidió pasarse a las filas de Metallica. La única condición no negociable que puso el bajista fue que la banda se trasladase a San Francisco, donde los nuevos sonidos relacionados con el thrash comenzaban a generar una legión de seguidores que recibió el nombre de «Bay Area Bangers». En cualquier caso, Hetfield, Ulrich y Mustaine ya estaban pensando en mudarse a San Francisco, puesto que habían observado la energía y el entusiasmo de la escena thrash de esa ciudad, además de porque la escena de Los Ángeles estaba dominada por el cada vez más famoso glam metal, con bandas como Motley Crue y Ratt.

Kill 'em All

A principios de 1983 el manager y promotor de conciertos Johnny Zazula (con la ayuda de su mujer) se puso en contacto con el grupo para ofrecerles un traslado a Nueva York, con la idea de organizar varios conciertos en la Costa Este y, si todo marchaba bien, grabar un álbum. Tras aceptar la oferta, Metallica inició el viaje el 1 de abril, y tras atravesar todo el país, fijaron su nuevo lugar de residencia en el Music Building de Nueva York, un edificio en el que cohabitaban con varias bandas de rock, entre las que se encontraba Anthrax, iniciando amistad y camaradería entre los dos grupos.

A los diez días de su llegada a Nueva York, la situación con Mustaine se hizo insostenible, con lo que Hetfield y Ulrich sorprendieron a un Mustaine recién despierto para anunciarle que estaba fuera del grupo y que en un breve plazo salía el autobús que habían reservado para su vuelta a casa (posteriormente Dave fundaría Megadeth). Para algunos, el factor que fue finalmente decisivo para la expulsión de Mustaine fue el accidente de furgoneta que éste provocó al conducir ebrio en el trayecto que llevó al grupo de San Francisco a Nueva York. Los integrantes ya estaban preparados para esto. Le pidieron a Zazula que se pusiese en contacto con el guitarrista de Exodus, Kirk Hammett, para unirse a la banda. Al principio, Kirk creía que la llamada de Zazula era una broma, pero finalmente aceptó. De forma simultánea a la expulsión de Dave, Kirk Hammett dejaba Exodus y se disponía a salir hacia Nueva York, llegando esa misma noche a altas horas de la madrugada. Alumno de Joe Satriani, Hammett introduciría un sonido más melódico, técnico y estilizado en Metallica, que se haría patente a partir del segundo álbum del grupo, puesto que el primero estaba compuesto en su totalidad en el momento de su entrada. El debut del nuevo guitarrista tendría lugar en el neoyorquino «Showplace» abriendo para The Rods. Tras un mes de ensayos, Metallica entraría finalmente el 10 de mayo en los «Music America Studios» para grabar su primer álbum. El tracklisting sería prácticamente igual que el de No Life 'til Leather, incluyendo como novedades el tema «Whiplash», ya aparecido en Live Metal Up Your Ass, y el solo de bajo que Burton solía ejecutar en los conciertos,bajo el nombre de «(Anesthesia) Pulling Teeth». Además, también se incluiría una versión remozada del tema «The Mechanix», añadiendo nuevos riffs y rebautizándola como «The Four Horsemen». La producción correría a cargo de Paul Curcio, propietario de los estudios e ingeniero residente. Su trabajo levantó suspicacias por parte del grupo debido a la diferencia de criterios con respecto al sonido del álbum que quería imprimirle la banda. Tras seis semanas, el primer trabajo de Metallica sería lanzado en el mes de julio bajo el nombre Kill 'em All. Dicho nombre (Mátalos a Todos) provenía de una frase de Cliff Burton a causa del enfado que produjo en el grupo la negativa de diversas distribuidoras de discos a comercializar el álbum con el título que el grupo quería darle, Metal Up Your Ass (Metal por el culo).Zazula, incapaz de encontrar una compañía discográfica interesada en publicar el disco, optó finalmente por la fundación de un sello propio, Megaforce Records. Se consiguió la cifra de 17.000 copias vendidas en las dos primeras semanas y sobre todo, Kill 'em All contribuyó notablemente a extender la buena reputación de Metallica, recibiendo una avalancha de críticas favorables por parte de la prensa, que ya comenzaba a verlos como los iniciadores de una nueva corriente en el metal. Posteriormente, la cifra de copias vendidas del disco llegaría hasta las 300.000. Como forma de promoción, Zazula organizaría un tour conjunto con Raven que los llevaría por todo Estados Unidos, constando de 35 fechas y bautizado como Kill 'em All For One Tour (el álbum que Raven se encontraba promocionando se llamaba All For One). Posteriormente, y tras varios conciertos en San Francisco, Nueva York y Boston, y prácticamente coincidiendo con la edición en Europa del single «Jump in the Fire» por parte del sello Music for Nations, el 3 de febrero de 1984 se inició la gira europea Seven Dates of Hell, en la que se encargan de abrir para los ingleses Venom, teniendo como momento cumbre la participación en el Aardshock Festival en Holanda, tocando ante más de 5.000 personas, la audiencia más grande que habían tenido hasta el momento.

Ride The Lightning

Terminada la gira, Metallica entraría el 20 de febrero en los Sweet Silence Studios de Copenhague para la grabación de su segundo álbum, recayendo todo el peso de la producción en el ingeniero residente Fleming Rasmussen, quien ya había trabajado anteriormente con bandas como Mercyful Fate y Rainbow y posteriormente con Sepultura y Blind Guardian. El ajustado presupuesto del que Zazula disponía se convirtió en el principal problema durante la grabación del álbum, que transcurrió a un ritmo frenético durante menos de un mes, quedando finalizada el 14 de marzo, y viéndose sólo interrumpida por el fallido tour Hell On Earth junto a The Rods y Exciter, finalmente cancelado por la escasa venta de entradas. Con este nuevo trabajo, Metallica tendría que afrontar por primera vez críticas provenientes de sus propios fans debido a la filtración de cuatro temas del álbum en forma de demo de trabajo, concretamente «Fight Fire With Fire», «Creeping Death», «Ride the Lightning» y la experimental e instrumental «When Hell Freezes Over», primer nombre de la después conocida como «The Call of Ktulu». A la considerable evolución mostrada en estos temas se unía el rumor latente de que el grupo estaba trabajando en una balada, lo que provocó cierta agitación dentro del sector más extremo de los fans de la banda.

Ride the Lightning, nombre que recibiría finalmente el álbum, supondría un gran cambio en el sonido de la banda, que se adentraba en terrenos mucho más melodicos y sinfónicos. Las labores de composición contaron con la colaboración de Burton y Mustaine. También se confirmó el rumor la inclusión de una balada, que recibiría el título de «Fade to Black», y cuya letra trataba acerca del suicidio. Fue escrita por Hetfield inspirándose en el robo de equipo que la banda sufrió el 14 de enero de aquel mismo año (1984), y vista por cierta parte de los primeros seguidores como una traición por parte de la banda, a la que tildaron abiertamente como «vendida».

La primera aparición de la banda en los escenarios tras la grabación tendría lugar en dos sold-out en el londinense Marquee, tras lo cual se harían diversos conciertos en Alemania, Holanda y Bélgica. El momento más importante de este tour llegaría el 3 de agosto en el «Roseland» de Nueva York, donde tendrían un primer contacto con el sello Elektra Records, y en el que, tras el concierto, iniciarían las negociaciones con Peter Mensch y Cliff Burnstein de la agencia Q-Prime, la cual finalmente acabaría comprando el contrato de Metallica a Johnny Zazula. Probablemente es este hecho el que fomentaría las conversaciones de la banda con Elektra, que acabaría fichándolos el 12 de septiembre tras firmar un contrato en el que se otorgaba al grupo el control artístico absoluto sobre su carrera.

El primer movimiento de Elektra tras reclutar a Metallica sería reeditar Ride the Lightning bajo su sello el 19 de noviembre, a la vez que Music for Nations, con la que Zazula tenía un acuerdo aún vigente tras el fichaje por Elektra, edita en Europa el single «Creeping Death», que contendría la suite The Garage Days Re-visited, formada por las versiones «Am I Evil?» y «Blitzkrieg» de Diamond Head. A su vez, se inicia un nuevo tour europeo, esta vez coordinado por Q-Prime con Robert Allen como manager de la gira, que dio comienzo en la francesa ciudad de Rusen el 16 de noviembre y finalizó en el London Lyceum de Londres el 20 de diciembre tras haber visitado Francia, Alemania, Dinamarca, Suecia, Suiza, Italia, Finlandia e Inglaterra con un enorme éxito de público.

Finalizada la gira europea, y tras un descanso por Navidad, Metallica inició el 11 de enero de 1985 un tour por Estados Unidos y Canadá junto a Armored Saint y los WASP de Blackie Lawless, con quienes la banda tuvo varios roces debido al supuesto ego de dicho frontman. Sería durante esta gira cuando la banda comienza a ser conocida como «Alcohólica» por sus excesos con el alcohol. A esto se uniría el cartel que colocaron en dicho autobús, «No se ría, señor. Su hija probablemente esté dentro», que daba una idea de la actitud desenfadada del grupo. Tras más de tres meses en la carretera, la gira tendría su final en el Starry Night Club de Portland.

Master of Puppets y la muerte de Cliff

Pasados dos años de gira, volvieron a los Sweet Silence Studios. De allí surgió Master of Puppets, uno de los discos más alabados dentro del heavy metal, cuya canción principal homónima está considerada por muchos fans como la mejor de Metallica. El disco ha vendido hasta la fecha más de 7 millones de copias en todo el mundo, a pesar de que sólo llegó en su día al puesto 29 del Billboard.

La gira de presentación del disco comenzó en verano de1986 con el guitarrista rítmico John Marshall, ya que Hetfield se había roto el brazo en un accidente de skateboard. En dicha, esta vez en Europa y con Hetfield recuperado, el autobús de la gira circulaba por las carreteras suecas a las 6:15 horas de la mañana del 27 de septiembre; Cliff se encontraba durmiendo en la litera asignada a Kirk Hammett (debido a que éste último había perdido en una apuesta jugando naipes), y repentinamente el autobús volcó cerca del pueblo de Ljungby, y cayó sobre el cuerpo del bajista, tras salir despedido por la ventana, causándole la muerte de forma instantánea. Según el conductor, el autobús derrapó debido a las placas de hielo que había en la carretera, lo que ocasionó el vuelco; Hetfield, furioso por lo sucedido, intentó golpear al conductor, siendo detenido por sus compañeros. Posteriormente recorrió una distancia considerable de la carretera buscando las placas, aunque no encontró nada. En el funeral de Burton, se escuchó el tema «Orion».

Su muerte provocó la suspensión de la gira de la banda y la retirada de los tres miembros restantes para pensar al respecto de su futuro. Finalmente, y después de consultar a los familiares del desaparecido bajista, decidieron continuar con la carrera musical de la banda, y reclutaron al bajista Jason Newsted de la banda Flotsam and Jetsam, en lugar del desaparecido Cliff, puesto para el cual también optó Les Claypool entre más de 40 músicos. Al año siguiente la banda volvería a Europa para completar la gira con su nuevo bajista.

En su primera actuación con Metallica, Newsted tocó un solo de bajo, lo que provocó un descontento entre los fans de la banda, quienes dijeron que era una falta de respeto hacia Burton.

Garage Days Re-Revisited y ...And Justice For All

En 1987 lanzarían un gran álbum de versiones de las bandas que les influyeron titulado Garage Days Re-Revisited para introducir a Newsted a los fans. El nombre se deriva de las sesiones de grabación de dicho álbum en el garaje de Ulrich. Un año después lanzarían un nuevo disco, titulado ...And Justice for All. Es su álbum más oscuro, con un sonido dominado por ritmos de batería densos y muy acelerados, de gran complejidad. Pese a lo que podría parecer, es un trabajo más melódico que sus predecesores, con un ambiente negativo, y unas letras más cercanas a la crítica social, política e incluso ecológica («Blackened»). Destacan los temas «One» (canción con el primer videoclip grabado por la banda, recogiendo escenas de la película Johnny cogió su fusil; con este videoclip, la banda comenzó a ganar fama en el ámbito mainstream, pero fue perdiendo fans al mismo tiempo, calificándolos como «vendidos»), «To Live Is to Die» (dedicado a Cliff Burton basándose en los bocetos de una canción que se encontraba componiendo en la que se oye un poema compuesto por el desaparecido bajista a pesar de ser un tema instrumental), «...And Justice for All» y «Blackened».

Esta producción marcó un hito en el equipamiento de las guitarras de Metallica, ya que dejan sus full stacks valvulares Marshall, pasando a utilizar la Mesa Boogie, obteniendo un sonido mucho más agresivo. Algunas de las escasas críticas que recibió al disco se basan en, a pesar de la evolución, la escasa calidad en la producción, y el escaso volumen que tiene el bajo, el cual casi no se oye siendo imposible de atisbar en muchos momentos. A pesar de estas características, el álbum ha vendido hasta la fecha más de 8 millones de copias, a pesar de tener una promoción casi nula sin ningún tipo de repercusión en canales de televisión como MTV.

Gracias a este trabajo, Metallica recibe su primera nominación a los premios Grammy en 1989, en la categoría de Mejor Interpretación Vocal o Instrumental de Hard Rock/Metal. Contra todo pronóstico, el ganador del premio fue el álbum Crest of a Knave de Jethro Tull, quienes no acudieron a la gala. Lars Ulrich se referiría a ellos después de ganar el Grammy en 1991 en la misma categoría por el álbum homónimo de la formación: «Queremos dar las gracias a Jethro Tull por no haber sacado ningún disco este año». Una anécdota cuenta que el presentador de la ceremonia, el afamado cantante Alice Cooper, quedó realmente impresionado por el vencedor del premio, quedando su sorprendida cara grabada por las cámaras en la entrega del premio.

The Black Album

Su siguiente trabajo, llamado Metallica pero mejor conocido como The Black Album, considerado por la crítica como la obra maestra de Metallica, se haría esperar hasta el año 1991. Fue producido por Bob Rock, conocido por su trabajo con Bon Jovi y Motley Crue, entre otros. Con canciones como «Enter Sandman», «Holier than Thou», «Sad But True», «The Unforgiven», «Wherever I May Roam» y «Nothing Else Matters», vendió más de 500.000 copias en su primera semana en EE. UU., llegando al primer puesto en la lista del Billboard, en parte gracias a su carácter más comercial. Sólo en EE.UU., la RIAA certifica 14 millones de copias vendidas desde su salida a la calle. El nombre popular del disco, The Black Album (El álbum negro), viene de la portada del disco, que sólo contiene el logo de Metallica en la esquina superior izquierda y el dibujo de una serpiente en la esquina inferior derecha, todo ello bajo un fondo negro. Esta portada fue explicada posteriormente por Hetfield, quien dijo que la banda quería que la gente se fijase en la música que contenía el álbum, y no en el simbolismo ni en el diseño artístico.

Posteriormente, la banda realizó la gira Wherever I may roam, que duró 2 años. Después de esta gira, se inició un tour junto a Guns n' Roses, el otro grupo rock que por entonces tenía más éxito. Durante la gira, el 8 de agosto de 1992 en Montreal, Canadá, la actuación de Metallica terminó abruptamente cuando durante la canción «Fade To Black» un fuego artificial explotó debajo de James Hetfield, dejándolo con graves quemaduras. Posteriormente la actuación de Guns N' Roses fue suspendida, debido a la afección de garganta de Axl Rose. La breve actuación de Metallica y la cancelación del show de Guns N' Roses provocaron la ira de los fans, que causaron múltiples destrozos y algunos heridos.

En 1993, la banda editó el box set Live Shit: Binge and Purge, que contiene tres CD y dos conciertos en vídeo grabados en Ciudad de México, en Seattle y en San Diego. Originalmente fue lanzado como una caja de cartulina como si fuera equipo de un tour. Aparte de los CD y los DVD, la caja contiene material adicional como un libro a color de 75 páginas.

Load, Reload , Garage Inc. y S&M

Su disco homónimo, conocido popularmente como The Black Album marcaría un punto de inflexión en la carrera musical de Metallica, y sus dos discos consecutivos titulados Load (1996) y ReLoad (1997), de estilos idénticos entre sí ya que estaban pensados para formar un mismo álbum doble, están totalmente dominados por un sonido que muchos antiguos seguidores consideraron como comercial y muy suavizado con letras más suaves, más cercano al rock alternativo que triunfaba en aquella época. Quizás el cambio más llamativo para sus fans fue el cambio de imagen: se cortaron las melenas y cambiaron el fácilmente reconocible logotipo que identificaba a Metallica. Esto se vio también reflejado en el cambio de sello discográfico, ya que las relaciones entre Elektra Records y la banda finalizaron después de casi diez años cobrando sólo un 14% de los beneficios netos de Metallica, aunque acabarían reanudando su contrato poco después. El éxito de ambos álbumes no fue tan contundente como el del álbum negro. Muchos adolescentes se convirtieron en seguidores de Metallica, al mismo tiempo que muchos de sus antiguos fans se veían en gran medida «traicionados» por la nueva dirección tomada por el grupo, lo que desde entonces lleva alimentando una gran polémica.Como curiosidad cabe destacar que las portadas de ambos discos, Load y ReLoad, ilustran una mezcla de semen y sangre de oveja en Load, y una mezcla de sangre de oveja y orina en ReLoad. La idea original es del fotógrafo Andres Serrano, quien tomó además las fotos.

En los premios Grammy entraron por primera vez en la categoría Heavy Rock en vez de Heavy Metal, como ocurría antes del mencionado Load. Ese mismo año la banda finlandesa Apocalyptica debutó con su tributo a Metallica Plays Metallica by Four Cellos, que era básicamente un álbum con covers de Metallica tocados únicamente con violonchelos.

El 1998 realizarían un nuevo trabajo similar a Garage Days Re-Visited titulado Garage Inc., aunque esta vez sería un álbum doble de versiones de temas de estilos bastante diversos que influyeron a la banda en su ya dilatada carrera. Mientras que el primer disco incluía covers grabados para el lanzamiento del álbum, el disco dos contenía íntegros el Garage Days Revisited proveniente del single de «Creeping Death», y el Garage Days Re-revisited, además de varias versiones provenientes de caras B y un extracto del concierto de versiones de Motörhead que Metallica dio en el 50 cumpleaños de Lemmy Kilmister el 4 de diciembre de 1995 en el Whiskey-A-Go-Go. El cover «Whiskey in the Jar» de Thin Lizzy resultó ganador de un premio Grammy en la categoría de Mejor Interpretación de Hard Rock en 2000.

Al año siguiente (1999) grabarían en un concierto en directo, titulado S&M, en colaboración con la Orquesta Sinfónica de San Francisco, dirigida por Michael Kamen, quien había hecho los arreglos de orquesta para «Nothing Else Matters» en The Black Album. En este álbum doble se experimenta la mezcla entre música de canciones de Metallica con arreglos orquestales. Además, se presentarían dos nuevos temas especialmente compuestos para la ocasión, «No Leaf Clover» y «- Human», extrayéndose el primero de ellos como segundo single del disco del grupo

St. Anger y Some Kind of Monster

En 2001 el bajista Jason Newsted, quien anteriormente había tenido serias discusiones con los demás integrantes sobre sus proyectos fuera del grupo, abandonaría Metallica alegando desgaste físico y motivos personales. Poco tiempo después, en la controvertida entrevista realizada por Playboy por separado a todos los miembros de la banda varios meses antes, se descubriría que uno de los principales motivos de la marcha del bajista era la rotunda negativa de Hetfield a la publicación del disco de Echobrain, la banda alternativa de Newsted. Tras un largo casting en busca de sustituto, y en el que se barajaron músicos como Twiggy Ramirez, se contrataría a Robert Trujillo, quien había sido bajista de Suicidal Tendencies, Black Label Society y Ozzy Osbourne en sus actuaciones en directo. Cabe resaltar que Jason Newsted, tras dejar Metallica, perteneció durante un tiempo a la banda de Osbourne, en la que militaba Mike Inez, ex miembro de Alice in Chains y que también se rumoreó como sustituto. Este mismo año se crea la banda tributo satírica, Beatallica, la cual fusiona la música de The Beatles y Metallica. Tuvieron un problema legal con Sony, poseedora de los derechos sobre el material de los Beatles, pero fueron ayudados por Lars Ulrich.

Antes de la entrada de Trujillo, la banda había grabado el álbum St. Anger, con Bob Rock nuevamente en el puesto de productor. Este último toca el bajo debido a las dificultades para encontrar un nuevo bajista. Como peculiaridades del disco destaca la ausencia absoluta de solos de guitarra, y un sonido de la batería totalmente novedoso e igualmente polémico que radicaba en la caja, la cual tenía un armónico metálico en vez del de madera seca usado hasta entonces. El vídeo de la canción homónima del álbum fue grabado en la prisión de San Quintin. Hubo otras muchas dificultades en la producción del álbum, debidos a motivos como el proceso de rehabilitación de Hetfield, que se había comenzado a tener problemas con el alcohol después de un viaje a Siberia donde, según él, su única bebida era el vodka.

En el 2004 se lanzaría el documental Some Kind of Monster, que narra la producción del St. Anger en medio de discusiones y problemas luego de la salida de Jason y de la rehabilitación de James Hetfield, de quien ya se conocía su pasión por el alcohol. En el documental hacen aparición Jason Newsted y su banda Echobrain (Lars y Kirk acuden a una de sus presentaciones, se dirigen hacia los camerinos y cuando llegan, Jason ya se había ido) y uno de sus primeros guitarristas del grupo, Dave Mustaine, quien charla con Lars acerca de temas como su estancia en Metallica y su carrera en Megadeth.

Death Magnetic

En el 2006, la banda realizó el tour Escape from the studio 06, en el que tocaron el disco Master of Puppets entero en conmemoración de su vigésimo aniversario. Durante este tour, la banda tocó dos nuevas canciones: «New Song (Death is not the End)» y «The Other New Song (Vultorous)».

El 4 de diciembre del 2006 fue lanzada una compilación de todos sus vídeos desde 1989 hasta 2004, titulada The Videos. Esta incluye todos sus vídeos desde «One» hasta «Some Kind of Monster» y, como bonus, las dos versiones del vídeo de «One», la version teatral de «The Unforgiven» de once minutos, el tráiler del documental Some Kind of Monster y además, por primera vez en DVD, la introducción de 2 of One. También Kirk y James aparecieron en el programa Me

talocalypse y la banda entera en Los Simpson, quienes además aparecerían en la película Get Thrashed. Un año más tarde, el grupo grabó el cover de Ennio Morricone «The Ecstacy of Gold», el cual apareció en el disco tributo We All Love Ennio Morricone. Luego, en los meses de junio y julio realizaron la gira Sick Of The Studio 07.

La banda comenzó a grabar el álbum Death Magnetic el 14 de marzo de 2007. Éste cuenta con Rick Rubin como productor, reemplazando a Bob Rock, que había ocupado dicho puesto desde hace más de 15 años. El álbum es finalmente lanzado el 12 de septiembre de 2008. Se han establecido algunas citas para su gira en 2008, y anteriormente, participaron en el Electric Weekend de Getafe, siendo cabezas de cartel junto con Rage Against the Machine. Además, la banda participó en un álbum tributo a Iron Maiden, Maiden Heaven , interpretando la canción «Remember Tomorrow» junto a bandas como Avenged Sevenfold o Dream Theater. Metallica, en la actualidad, ha vendido más de 100 millones de álbumes y posee una estrella en el paseo de la fama en Hollywood.

La página oficial ha confirmado que el grupo ha ocupado un lugar en el Salón de la Fama del Rock, y que fue nominado en dos categorías (Rock Out y Headliner) en los MTV Europe Music Awards así como invitado para tocar en vivo dentro de Los Premios a la Música de Latinoamérica de MTV, los cuales se llevaron a cabo dentro del Auditorio Telmex en Guadalajara, Jalisco, México.

Conclusion

Metallica es un gran banda, yo la encuerntro como un gran punto de inspiracion


por cierto uno de mis mas preciados videos

En estas vísperas del dia de San Vlentin me comenzé a hacer la siguiente pregunta... el amor?... que es el amor?... solo divago en puntos referentes a todo y nada asi que me di a la tarea de buscar lo q eu significaba la palabra.
El amor es un concepto universal relacionado con la afinidad entre seres, definido de diversas formas según las diferentes ideologías y puntos de vista (científico, filosófico, religioso, artístico). Habitualmente se interpreta como un sentimiento y con frecuencia el término se asocia con el amor romántico. Para Gottfried Leibniz, «amar es encontrar en la felicidad de otro tu propia felicidad». En el terreno religioso presenta fuertes connotaciones espirituales, de forma que trasciende el sentimiento y pasa a ser un estado del alma o de la conciencia, identificado en algunas religiones como Dios mismo. En Psicología, Robert J. Sternberg cree necesarios para que exista amor tres elementos: intimidad, pasión y decisión o compromiso. Para Erich Fromm, el amor es un arte. En Biología, parece estar relacionado con la supervivencia del individuo y de la especie. Según algunos, no es privativo de la especie humana, y también pueden presentarlo otros seres capaces de establecer nexos emocionales.

Habitualmente se asocia el término con el amor romántico, una relación pasional entre dos personas con una influencia muy importante en sus relaciones interpersonales y sexuales mutuas. Sin embargo, se aplica también a otras relaciones diferentes, tales como el amor platónico o el amor familiar, y también, en un sentido más amplio, se habla de amor hacia Dios, la Humanidad, la Naturaleza, el Arte o la Belleza, lo que suele asociarse con la empatía, y otras capacidades. Según Gottfried Leibniz, «amar es encontrar en la felicidad de otro tu propia felicidad». En la mayoría de los casos significa un gran afecto por algo que ocasiona felicidad o placer al que ama. Sobre todo en el mundo occidental, suele ser contrastado, evitado o contrarrestado por el odio, desprecio o egoísmo. Según opiniones, el amor no es privativo del género humano, sino que incluye también a todos aquellos seres que puedan desarrollar nexos emocionales con otros, como, por ejemplo, animales como los monos, los delfines, los perros, los elefantes, etc. Existe incluso quienes piensan, bajo criterios no científicos, que las plantas crecen mejor si reciben amor.

En el ser humano, a diferencia del amor de los animales, y bajo una concepción actual fundamentalmente occidental y seglar, el amor se considera un sentimiento real. En los casos más comunes es el resultado de una emoción basada en la atracción y la admiración de un sujeto hacia otro, que puede ser o no ser correspondido. Ello intensifica las relaciones interpersonales entre un sujeto y otro que, partiendo de su propia insuficiencia, desea el encuentro y unión con aquel que ha juzgado su complemento para su existencia.

En algunos casos, el amor puede ser interpretado como fruto de un duro trabajo, esfuerzo y pericia por construir y desarrollar un objetivo, sintiéndose plenitud y felicidad al verse conseguido lo que se ha anhelado y trabajado durante mucho tiempo. Este tipo de amor es el que puede sentir un padre hacia un hijo cuando lo ve ya crecido y capaz de afrontar la vida con plena madurez, imitando al padre en aquellas cosas que le ha transmitido por sabiduría práctica. En este caso, el amor se dirige hacia los principios que han fundamentado el trabajo y han guiado el esfuerzo y es la corroboración de que las creencias por las cuales se ha luchado han tenido su recompensa. Se diferencia radicalmente este sentimiento del amor incondicional, normalmente profesado por la madre, que va dirigido únicamente hacia su hijo, independientemente de cualquier principio.

Pero sinceramente creo que para representar el amor de pareja ningun termino se acerca, realmente ¿, hoy me encuentro en la fortuna de estar enamorado, y yo se que esto no es el amor, asi que busque imagenesque me ayudaran a ver lo que era realmente

significa = el amor no es lo que queremos sentir, es lo que sentimos sin querer


pero como dicen creo que una imagen dice mas que mil palabras

pero aun asi creo que no es suficiente...
el amor, el amor es un sentimiento que te invade como una llama, algo que te embriaga como el alcohol, algo qu te llena como la esperanza, algo que nos une como una cadena, el amor es libre com el aire que respiramos el amor... es simple amor, es como definir al color amarrillo, como definir este sentimiento abstracto que llevo en mis venas, es... simple amor, complejo pero sencillo, ávido de ti y de mi... amor, amor... 5 letras llenas de misterio absoluto!

Heavy Metal

El Heavy Metal es un género musical muy extenso, está influenciado por otros muchos estilos musicales anteriores a él como el Jazz, el Blues, el Rock n'Roll entre muchos otros. El sonido del Heavy Metal clásico está caracterizado por la distorsión de las guitarras, ritmos veloces y bajos muy marcados.

El estilo comienza a desarrollarse a finales de los años 60 y principios de la década de 1970 con grupos como AC/DC, Led Zepelin, Deep Purple, Black Sabbath, Scorpions, Rush, Kiss.... Dícese de estos grupos que son los padres del Heavy Metal.

Con la aparición de Judas Priest a mitad de la década de los 70 se acabó de definir el sonido del estilo. Se dice que Black Sabbath puso el metal y Judas Priest pusieron el Heavy de Heavy Metal..

A finales de los años 70 un gran número de bandas británicas como Iron Maiden, Motörhead, Saxon oDef Leppard entre otras muchas impulsaron el Heavy Metal hasta su máximo explendor. Dicho fenómeno se conoce como la NWOBHMNew Wave Of British Heavy Metal). (

En esta época el Heavy Metal empieza a dividirse en subgéneros como el metal neoclásico impulsado principalmente por Yngwie J. Malmsteen.

Debido al éxito que estaban teniendo virtuosos como Van Halen y influenciados por grupos como Alice Cooper o Kiss comenzó a desarrollarse un nuevo subgénero en el sur de california, el Glam Metal con grupos como Mötley Crüe y W.A.S.P. Cabe destacar la apariencia de los miembros de estos grupos, en quienes el pelo cardado, y el uso del maquillaje eran habituales. El Glam MetalPoison, Cindrella o Bon Jovi. alcanzó un gran éxito en los EE.UU. surgiendo nuevas bandas como

A principios de los 80 surgieron en España grupos como Barón Rojo, Obús, o Angeles del Infierno que pronto alcanzaron gran reconocimiento por parte del público..

En estos años los grupos Metallica, Megadeth, Anthrax y Slayer entre otros, comenzaron a crear una música más fuerte y veloz que se llamó Thrash Metal. Este subgénero cosechó un gran éxito en el mundo entero lo que dió lugar a bandas como Tankard, Kreator, Destruction, Sodom, Exodus, Overkill, etc. Aunque el máximo esplendor lo alcanzó a principios de los 90 a la vez que aparecían bandas como Sepultura o Testament.

A mediados de los 80 surgieron una serie de bandas que empezaron a desarrollar un Heavy Metal con un sonido mas técnico y complejo, que se llegó a llamar Metal Progresivo. Destacan bandas como Theater y Symphony X.

Poco mas tarde, surgió un estilo más brutal y pesado conocido como Death Metal. Este subgénero se caracteriza principalmente por unas guitarras mas graves, monotonas y distorsionadas, una baterías extremadamente rápidas y una voz gutura, seca y agresiva. Las letras son violentas con temas fundamentalmente centrados en el satanismo, aunque los temas son muy variados, llegando incluso a la filosofía. Destacan bandas como Morbid Angel, Napalm Death, Deicide, Cannibal Corpse.

A la par que se desarrollaba el Death Metal, surgió el Black Metal, un estilo que se aleja mucho del clásico Heavy metal, por ello se ha llegado a decir que no es realmente Metal.. Su sonido esta caracterizado por guitarras muy distorsionadas y gritos agudos imposibles de entender conocidos como Shriek. Las letras satánicas son las mas comunes dentro del Black Metal, aunque también suelen utilizar la temática del paganismo. El nombre de Black Metal proviene de un álbum de Venom, que es considerado el primer disco de Black Metal de la historia .Este estilo debe gran parte de su fama a los actos que han llevado acabo sus músicos , como rituales satánicos, quemas de iglesias, asesinatos, etc.(véase Inner Circle).Destacan bandas como Mayhem, Celtic Frost, Burzum, Darkthrone, Emperor entre otras.

En la década de los 90 tratando de recuperar el sonido original del Heavy MetalPower Metal, caracterizado por melodias limpias y veloces, asi como por los altísimos registros que son capaces de alcanzar sus vocalistas. Destacan bandas como Running Wild, Gamma Ray, Helloween, Rhapsody of Fire, Metalium surge el y un largo etc.

Derivado del Death Metal surge el Doom Metal, un estilo igual de pesado pero más lento. Los orígenes de este estilo pueden ubicarse en los primeros discos de Black Sabbath, aunque tambien en los trabajos de otros grupos contemporáneos como Blue Cheer.

A finales de la década de los 90, de la mezcla de la música Folclórica con el Heavy Metal, surge el Pagan Metal . Este subgénero incluye a otros como el Folk, viking y celtic metal.Destacan grupos como Ensiferum, Korpiklaani, Turisas, Finntroll...

También por esta época se crearon estilos como el Metal Industrial, Gothic Metal, y Groove Metal.

A partir de estos estilos, en los años 90 surgieron otros estilos musicales influenciados por el Heavy metal, aunque con un sonido muy alejado al de éste. Éstos estilos no pueden ser considerados metal, de la misma manera que el Thrash metal no puede ser considerado un subgénero del punk, por el hecho de estar influenciado por la velocidad del mismo. Estos estilos son el Nu Metal Linkin Park, Limp Bizkit...), el Emo (grupos como Him, Bullet for my vallentine...), entre otras variantes

Estupidizacion

Esta idea de tema surgió al estar con mi novia en su casa mirando la television, sintonizamos un programa que es muy conocido por todos, me refiero a Dudesons quienes son un grupo de extranjeros haciendo tonterías en la television, actos peligrosos que nos han retirado toda sensibliladad, y es es que realmente es increíble que miremos con tanta alegría y regocijo algo tan peligroso; y es que cuando mirábamos el show uno de los integrantes del programa, estaba en un automovil cuando el otro lo volcó, y el hecho de estar en riesgo de una muerte horrible, el sujeto quería intentarlo de nuevo, y a esto no va mi titulo, realmente va a nosotros mismos, que fomentamos la idiotez en los programas televisivos, y es que en verdad es increíble que nuestro sentido del humor caiga cada vez mas bajo al nivel de reírnos del dolor ajeno, y las burlas, y me incluyo a mi también ya que muchas veces he gozado de tal humor, que resulta ser tan vacío y carente de todo sentido lógico y racional. Y hoy lo que me preocupa son los medios de comunicacion masiva, por que influye tanto en nuestra vida diaria, e incluso en nuestra salud, en el aspecto físico, en nuestro comportamiento, y lo peor de todo es que influye de una manera negativa, ya que basta abrir una revista para saber que jeans están de moda, que actitud tiene tal o cual artista, basta abrir una pagina pornográfica para saber de sexo, y prender la television para estar al tanto de la idiotez mundial que nos hará tener un tema de conversacion al día siguiente, lo peor de todo es que las cifras siguen subiendo y subiendo. No es creíble que entre tantas posiblilidades y ventajas que nos dan estos medio de comunicación los usemos de una manera tan negativa, se supone que es un beneficio, pero realmente es un fabrica de estupidez que genera gente cada vez mas inútil, una generación de mediocres que viven en un mundo donde la inteligencia es tomada como un defecto o una enfermedad contagiosa, y la idiotez es signo de popularidad. Me preocupa todo aquello que concierna a la nueva generación, por que me incluyo a mi mismo, a mi futuro a mi familia, a los seres mas jóvenes que yo, por que quieren vivir en un cuento creado por una telenovela, donde todos sufren a niveles masivos pero de alguna manera todo se arregla magicamente, o que los niños de mi comunidad intenten hacer un vídeo en donde demuestren su inmadurez y ganen premios por eso, o que incluso mi propia novia se mortifique en dietas intentando ser talla 3 solo por que una revista dice que eso es estético, o que nosotros alumnos hagamos un simple copy-paste de temas que ni siquiera leemos o tenemos la delicadeza de entenderlos o, es mas, al menos leer lo que estamos presentando. Me compadezco de nosotros y de lo que haremos con esta sociedad, me compadezco seriamente por el legado que dejaremos, por que mientras haya mas revistas de moda y chismes en lugar de revistas culturales y científicas, mientras haya mas antros que museos, que las búsquedas en Internet se resuman a pornografía en lugar de cultura, esta sociedad sera cada vez mas imbécil, cada vez menos productiva, cada vez mas absurda. Carecemos de valores, carecemos de interés, carecemos de sentido común, de la misma sensibilidad, pero sobre todo carecemos de inteligencia y mientras no hagamos nada, nada bueno va a salir, por que no va a estar ni maí, ni papi, ni miss, ni prof que no ayude a sacar la porquería que se convertirá la sociedad, estaremos metidos en métodos mas prácticos que lógicos, y teorías que en lugar de avanzar retrocederán, y la única lectura que haremos sera aquella que nos diga el nombre de las calles, que distingan los productos. SOMOS UNA RAZA CADA VEZ MAS ESTÚPIDA, CADA VEZ MAS ABSURDA Y SI HOY, NO MAÑANA, HOY, TE DAS CUENTA DEL TIPO DE IMBÉCIL QUE ERES SE QUE PODREMOS SACAR LO QUE QUEDA DE ESTA SOCIEDAD A FLOTE, YO ME DI CUENTA HOY... Y TU?